@Objet.o

Cautivada por la traslucidez, brillo, elegancia y delicado uso de color en la porcelana, Alejandra se dedicó por varios años a coleccionar piezas que encontraba en ferias de antigüedades locales y durante sus viajes, hasta que un día tomó una decisión. Se propuso aprender de forma autodidacta el precioso oficio y la mágica técnica de vaciado para la producción de piezas cerámicas.

¿Cómo nace tu marca Objet?

Como diseñadora Industrial siempre quise tener mi propia marca, pero no tenía muy clara la línea que quería seguir (el diseño industrial es muy amplio). Después de trabajar en varios mundos del diseño con la intención de encontrar mi propio sello, entendí que debía volver a mi origen personal y mis pasiones más profundas, para encontrar mi camino. Fue ahí cuando crucé mi profesión con mi amor por las porcelanas antiguas, objetos que se sitúan en el límite del ser utilitario y el objeto de arte, que transmiten y emocionan. Así comienza mi marca, OBJET, nombre que deriva de un juego de letras de mi apellido, algo innato y casi heredado que resume fielmente mi gran amor por los objetos.

¿Qué técnicas utilizas para trabajar la cerámica?

Utilizo mayormente la técnica de vaciado sobre molde de yeso y también trabajo modelando a mano para diseños más complejos y orgánicos que requieren más detalles.

¿En qué consiste la técnica de vaciado de molde de yeso?

Luego de diseñar la pieza, la materializo a través de impresión 3D, obteniendo así el modelo original para la fabricación del molde, que se compone de tantas partes en relación a lo complejo de la forma que se quiere lograr. El molde de yeso completamente seco absorbe el agua de la pasta cerámica, solidificándola progresivamente, creando así, un espesor que en su dimensión depende del tiempo que está en el molde (la magia). Luego se retira el excedente y se deja secar hasta que el molde suelta la pieza, se pulen las líneas de unión, cantos e imperfecciones y se obtiene así la pieza en crudo que luego será bizcocho (primera quema a 980º) y más tarde se esmaltará (segunda quema que puede ser a 1.060º, 1220º o 1300º dependiendo de la pasta que estás utilizando).

Hemos visto que en algunas de tus creaciones combinas la cerámica con otros materiales, ¿Cómo surge esta idea?

Siempre he tenido esa curiosidad, la de llevar los materiales al límite. En la cerámica la experimentación pasa más por el material mismo y las mil posibilidades que puedes encontrar en torno al color, forma, espesor, transparencias, etc. Pero cuando haces conversar la cerámica con un material opuesto, como los hilos por ejemplo, aparecen otras variables que te obligan a salir del hacer cerámico habitual y repensarlo desde el otro material. Traspasar el límite y llevar el objeto a otra dimensión, descontextualizándolo, donde se contraponen los oficios, donde los materiales y texturas se hacen evidentes y el resultado es único y que se escapa de lo conocido.

En tus creaciones el corazón es un tema recurrente. ¿Qué representa para ti?

El primer gran encargo Objet, hace ya 3 años, fue una colaboración junto a la marca de accesorios “Puro Corazón”. Diseñamos una colección de 4 corazones decorativos y fue ahí cuando este símbolo tan popular entró en mi vida. Si bien nunca había sido muy amante de los corazones, con el tiempo entendí que a veces es necesario abandonar un poco por un lado para poder desarrollar esa arista que apasiona con más fuerza. En ese camino de abandono también he evolucionado y llevé mi búsqueda conceptual a un corazón que hoy es la pieza por la cual Objet se reconoce y reúne gran parte de las emociones que busco generar en quien se cruza con mi marca. Para mí, el corazón representa origen y comienzo, además de ser un objeto simbólico que recoge emociones y es lo que uno o el otro quiera que sea desde la potencia y lo que transmite como imagen y objeto.

¿Qué otros temas han sido fuente de tu inspiración?

De chica que tengo una fijación por las porcelanas antiguas, sobre todo tazas, y además con el tiempo me convertí en amante del café, así que esos dos mundos son mi constante inspiración. Las tazas no sólo las considero como objetos utilitarios concretos, material (porcelana), forma, detalles, sino también como objetos que acompañan momentos del día siendo testigos de historias, convirtiéndose así en esa fiel compañía donde el café siempre es mejor, un envase con sentido, que reúne sentimientos y transmite; la taza como objeto de experiencia.

Ahora en cuanto al diseño de mis creaciones ya sea de tazas u otros objetos, mi mayor referente es el diseño japonés, en todas sus dimensiones actuales y pasadas, la búsqueda de la línea constante, simple y elegante.

¿A quiénes van destinados tus diseños?

Nunca he diseñado para un cliente objetivo definido porque siento que sería como encasillarme en algo que no tiene más sentido que el comercial (siempre hay un poco de comercio para sostener la propia búsqueda). Hoy diseño desde el sentir, la pasión y el amor por este precioso material y las enormes ganas de concretizar el sin fin de ideas que viven en mí.

¿Trabajas con otras personas en tu proceso creativo?

Tengo muchas amigas artistas dedicadas a distintos oficios de quienes aprendo mucho todo el tiempo e influyen directamente en mis procesos creativos, pensamientos e ideas, somos una gran comunidad creativa. En este compartir nacen las colaboraciones donde el intercambio de conocimientos es fundamental para el desarrollo del proyecto y producto final. Por ejemplo, “Corazones Bordados” fue una creación que realicé en conjunto con la bordadora Paula Letelier.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Tengo muchas ideas en camino para proyectos en cerámica y serigrafía (oficio que hoy tengo un poco de lado y me encantaría retomar) pero prefiero mantenerlos en secreto para que resulten… jajaja (uno de ellos se inspira el mar).

@la_suerte_di

Cuando Paulina llegó de vuelta a vivir a Concepción el año 2007, se encontró con una ciudad brumosa a la que le faltaba color. Para ella era difícil encontrar vestuario y entonces inventó su marca, asociada al concepto de la “la suerte de encontrar algo entre las tiendas de ropa usada y de segunda mano”. Paulina ve las prendas de vestir como representativas de las culturas porque ellas siempre han acompañado el desarrollo de la humanidad y por eso son objeto de su interés. En sus telas y prendas podemos ver el reflejo de todo su cariño por la costura y reconocimiento al patrimonio natural y cultural de Chile.

¿Cuáles son los temas que te gusta incluir en el diseño de tus productos y estampados textiles, en qué te inspiras?

Me inspiran la naturaleza del sur de Chile,  tal como la flora nativa y fauna endémica: Frutilla Chilena, Chilco, Araucaria, Piñón, Ranita de Darwin, Pudú y también los paisajes como volcanes y caletas. Por otro lado, me gustan los mapas históricos de Concepción, dibujos antiguos de nuestras costas, campanil universitario de Concepción. Veo esto como una forma de visibilizar nuestro entorno, que rara vez está presente en los estampados provenientes de afuera, que muestran flores, paisajes y otros que no son representativos de nuestra identidad.

¿Qué técnicas y materiales utilizas?

Me apasiona el mundo de los patrones, escalas, cortes de tela, cada uno tiene sus propias técnicas. Actualmente, uso telas de colores básicos como azul, negro, gris, etc., con una composición de mayor porcentaje de fibras de algodón como gabardina y mezclilla y forros también de similar composición. Busco telas durables en buena relación precio/calidad, ya que quiero generar un producto accesible. Entre las técnicas que utilizo están el estampado serigráfico de ilustraciones o “patterns” (patrón textil) sobre tela, y técnicas para colocación de broches y tachas;  además, añadiría que son las “prácticas” en los procesos de confección que dan garantía de una terminación durable y reforzada en los puntos críticos de los accesorios de vestir. También reutilizo en los accesorios y en la optimización de las telas, materiales de otras prendas o telas que me regalan personas que ya no las usan.

¿Cuáles son los principales productos que confeccionas con las telas que diseñas y a quiénes van dirigidos?

La Suerte Diseño comenzó con la producción de algunos accesorios impermeables como bananos, bolsos y estuches. Hoy en día tengo múltiples públicos, algunos con perfil de habitante urbano, adultos jóvenes y adultos, mujeres jóvenes y adultas trabajadoras, y otro publico extranjero o que circula desde y hacia afuera visitando familia, por trabajo, o estudios. A ambos les unifica el valor por lo hecho a baja escala, los diseños locales, lo que recuerde Chile, la buena manufactura, lo que a veces se llama “Diseño con Identidad”. Para ellos creo productos utilitarios como los estuches y bananos con los que comenzó La Suerte Diseño y también otros como por ejemplo, bolsas de compra estampadas, individuales de tela y delantales.

¿Qué te motiva a diseñar vestuario para artistas teatrales?

Aprendí vestuario en un curso corto, y luego he realizado sola y en equipo producciones para teatro y vestuario corporativo para distintos fines. Personalmente, me motiva mantener el oficio de la confección a medida, de lo personalizado, y realizarlo además para escenarios y escenografías ya que es otra parte de permanecer sensible a  diferentes experiencias de uso de una prenda. La capacidad del vestuario de comunicar, de insertarse en un relato, siempre veo como positivo y enriquecedor contribuir a materializar, hacer visible una obra teatral, que nace desde un guión.

Aparte del diseño, también enseñas y realizas labores de gestión cultural; ¿nos podrías contar un poco sobre estas actividades?

Considero importante aprender e ir transfiriendo a otras personas lo aprendido, la experiencia  junto con el intercambio de conocimientos que tienen personas provenientes de distintos contextos aporta mucho al desarrollo personal y a la generación de redes. Por eso, hago hace algunos años ya en programas formativos de la Fundación TPH talleres de diseño de productos, montaje de ferias, ideación de marca, etc… para emprendedores, pequeños productores y comerciantes de distintas localidades de la región. Esto ayuda a que cada uno descubra su propio sello y lo pueda mostrar en su negocio.

Además, organizo la feria FIDAR, un espacio en Concepción que lleva 16 versiones y donde junto a una colega y socia, convocamos a marcas y productores penquistas y del Sur de Chile para un evento cultural y de comercialización del diseño. Contaba con 40 a 50 marcas, y un programa de música, danza, pasarela en vivo. Lo realizábamos en la Biblioteca Municipal de Concepción y ahora luego de la pandemia lo estamos actualizando a una pequeña versión presencial.

@nalca_zapatos

Genoveva apuesta por lo local con su marca de zapatos Nalca. Sus creaciones nos ofrecen un diseño moderno y una fabricación en cuero natural a manos de artesanos expertos, mezclando el saber clásico con las nuevas tendencias, lo que da como resultado un calzado de gran personalidad y de excelente calidad. Los amantes de los zapatos se sorprenderán con esta propuesta de estilo y formas que les hará querer caminar en un par de ellos.

¿Cuándo comienza tu interés por el diseño de calzado?

Hace unos 10 años conocí a través de mi socia el proceso de manufactura del calzado e inmediatamente nació mi interés por el oficio.

¿Cómo se crea y quiénes conforman el equipo Nalca?

Somos dos diseñadoras industriales, María Dolores Quiroga y Genoveva Cifuentes. Nalca Zapatos nace el año 2012 con la intención de revalorizar el oficio de la zapatería artesanal, perdido ante la producción masiva de calzado de la que todos somos testigos.

¿Qué quieres entregar a tus clientes a través de tus diseños?

Un par de zapatos cómodos, que tengan una larga vida útil y una buena vejez. Que sume a la personalidad de quien lo use, ya que la vestimenta transmite quienes somos.

¿Dirías que tus diseños tienen un estilo particular?

Al diseñar rescatamos la esencia de modelos clásicos lo cual combinamos con líneas simples, cortes rectos, contraste de texturas y el uso de diversas técnicas tradicionales  en  la  confección. Esa mezcla contextualiza los modelos en las tendencias actuales y resulta como un sello propio de la marca.

¿Qué es el espacio colaborativo Nalca?

Espacio Colaborativo Nalca da lugar a diversas marcas nacionales que, con propuestas innovadoras y disímiles entre sí, se alinean bajo la noción de moda consciente por medio de la manufactura local. Gracias a las colaboraciones hemos ido creciendo, sumando nuevos integrantes y generando un canal sostenible para el desarrollo local.

Actualmente establecida en Villarrica, le gusta comer helado local, caminar en los hermosos bosques de la zona y realizar deportes acuáticos. Diseñadora de profesión y dedicada a su pasión, crear ilustraciones con un estilo en constante cambio.

¿Cuándo comienza tu interés por la ilustración, por qué la ilustración?

Empecé a ilustrar desde que estaba en el jardín infantil, como todos espero. Y cuando vivía en Berlín, hace un par de años, decidí dedicarme a la ilustración de forma profesional. Es algo que puedo hacer desde y para cualquier lugar del mundo. Me da estabilidad y me conecta con lo más creativo e infantil de mí. Me mantiene en equilibrio, siempre curiosa y activa.

¿En qué te inspiras para crear tus ilustraciones?

Me inspiro en todo, me propongo y me proponen temas y desde ahí empiezo a investigar, escuchar música relacionada, podcast y audiolibros mientras trabajo. Así creo un ambiente para dibujar que me permite aprender y buscar un estilo para el encargo. Para mí la inspiración llega en el contemplar y en el hacer.

¿Tienes algún artista que haya sido tu inspiración y/o a quien admires?

Sí, a Maira Kalman, Carll Cneut, Andy Warhol, Zoe Young, Picasso, Joni Mitchell, por nombrar algunos.

¿Utilizas tus ilustraciones para la creación de otros objetos?

Principalmente realizo patrones ilustrados que son aplicados a muchos tipos de productos y diferentes materiales como papeles, telas, maderas, cerámicas, etc.

¿Cuál ha sido la mayor satisfacción que te han dado tus creaciones hasta ahora?

Conectar con gente creativa de muchas partes del mundo.

@el_abasto_

Su pasión por la gastronomía existió siempre y la comenzó a poner en práctica muy temprano en su vida, con sus hermanas, preparando las meriendas para las labores de trilla en la región de O’Higgins. Hoy en día, en su restaurante El Abasto, ella combina el diseño, los saberes ancestrales de los habitantes de la zona y todo el cariño que entrega en cada plato. Además trabaja en comunidad para dar a la comida la importancia que tiene como fuente de conocimientos, de nuestra energía diaria y de nuestro futuro.

¿Cómo combinas el diseño y la gastronomía?

Creo que ya venía combinada desde los talleres de mi profesor Ricardo Lang, y se fue haciendo más presente con la apuesta por la valoración de lo propio, la identidad local, el orgullo campesino, la sustentabilidad, y de darnos cuenta del poder transformador de la comida como agente de cambio social, económico y ambiental.

¿Qué experiencia quieres ofrecer a las personas que asisten a tu restaurante?

Primero que todo, comer rico, llenar el corazón y luego entender que el plato es contendor de un territorio, su paisaje y su gente. Abrir la despensa para admirar lo que tenemos y hemos tenido por generaciones, que estamos llenos de técnicas ancestrales, de saberes y haceres, y que el apalancador comercial para esto, y para dar valor al trabajo campesino, es justamente el comer y beber; maridar el territorio con nuestra propia despensa; y su infinidad de posibilidades.

¿Qué desafíos y satisfacciones conlleva ser dueña de un restaurante?

Es un tremendo trabajo diario; no hay carta fija. El diseño del menú está a merced de la temporada, disponibilidad de productos, y creatividad de la cocina. Entender que un restaurante es un embajador del territorio, la puerta de entrada a conocer la despensa, un lugar para intercambiar ideas, construir comunidad, reconstruir el tejido social campo&ciudad,  y de paso mejorar al mundo.

¿Nos podrías contar sobre las organizaciones culturales en torno a la comida en las que participas?

Participo en Food Design Nation  que posiciona al alimento como motor de reflexión político, artístico, cultural y social. También dirijo Asegmi AG. (asociación gremial de emprendedores gastronómicos) cuyo desafío es posicionar a O´Higgins como destino enogastronómico.

Además integro la Plataforma Cooperativa Agroalimentaria Conboca que es la primera aproximación de un ecosistema local de actores que interactúan a través de la gastronomía, generando una comunidad de consumo local, abriendo las posibilidades de puntos de comercialización de pequeños productores (AFC), posicionando despensa, identidad territorial y generando conciencia en los comensales, a través de somos lo que comemos y lo que consumimos.