@tipomovil

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¿Qué te motivó a ser diseñadora gráfica?

Me encontré con el diseño gráfico en mi primer año de universidad (plan común) antes de eso, no sabía muy bien de qué se trataba. Sin embargo una vez probarlo,  encontré en las letras y en el papel una belleza que me permitía comunicar.

¿Cuál es tu vínculo con el diseño tipográfico?

Desde que nos enseñaron tipografía en la escuela, creo que las letras empezaron a significar algo más para mí, por su poder de comunicar y por la belleza de sus formas. Fue así como, cuando aparecieron los tipos móviles y la impresión tipográfica en mi horizonte, no pude sino hipnotizarme y seguir tras ellos.

¿Cómo se formó @tipomovil?

Tipo Móvil nace de una necesidad de volver a los oficios a mano, de poder seguir haciendo diseño cuando no hay computador. Del valor de recuperar el ser parte de todas las etapas de un proceso de diseño, especialmente los análogos, el construir una pieza gráfica con las propias manos, y que ese resultado sea fruto de esa construcción.

De todos los proyectos en lo que has trabajado, ¿cuáles te han marcado y por qué?

Hay varios proyectos que han sido hermosos y en los que tenido el privilegio de participar. Recuerdo con especial cariño, haber impreso mas de 100 láminas con frases de Luis Poirot, el 2018, para ser exhibidas en el Museo de bellas Artes, en una muestra de su trabajo con fotografía análoga. Otro de los proyectos significativos fue haber hecho la reimpresión del afiche de la primera obra de teatro exhibida en el teatro de PUC, a partir de un cliché encontrado en las bodegas del campus oriente.

¿Cuál sería tu proyecto ideal?

Tengo miles de ideas rondando cerca de mi cabeza a diario. Hoy lo que escasea es el tiempo disponible para la reflexión y la creación. Mi proyecto ideal sería sólo disponer de más tiempo para poder dedicarle al taller y a la creación.

¿Cuáles son los planes para este año en @tipomovil? ¿Qué se viene?

Hay planes de empezar a virar tipomovil hacia un espacio de creación y aprendizaje, más que la venta de productos. En el corto plazo lanzaré cursos permanentes de impresión y creación, desde el diseño y la imprenta, con todos los recursos del taller a disposición, para desarrollar proyectos creativos. Se abrirá el taller para que vengas a desarrollar ese proyecto que tienes en mente, y puedas utilizar todo lo que hay en el taller para llevarlo a cabo, un espacio de co-creación y colaboración en el aprendizaje.

@demode_material

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¿Cómo y cuándo nace tu interés por el diseño?

Mi interés nace desde que estaba en el colegio, en realidad de lo que estaba pasando en mi casa cuando iba al colegio. Soy la menor de 4 hermanos, todos estudiaron diseño, por lo tanto crecí en el mundo de las entregas, los trasnoches, materiales, maquetas y eso me fue encantando. En segundo medio ya sabía que eso era lo que quería y fue así como seguí el camino del diseño.

¿Cuáles fueron tus primeros proyectos, los más desafiantes, y qué experiencias te dejaron?

Mi proyecto más desafiante fue con el que me titulé de la universidad, Demodé, material en base a residuos textiles aglomerados con almidón. El proyecto que más me ha gustado trabajar y seguir desarrollando, pasan los años y pasan cosas que me detienen, pero siempre me reencuentro con el. Me hizo darme a conocer como profesional, tener contactos, viajar a mostrarlo, trabajar y colaborar, en diferentes formatos.

¿Nos puedes contar un poco más sobre tu relación con la docencia?

Mi relación con la docencia es otro gran desafío de mi profesión, si bien es lo que nos mantiene 100% activos, refrescando materia constantemente, es una de las responsabilidades más grandes que he asumido. El enseñar, compartir experiencias, encaminar proyectos y ayudar a guiar las ideas de las nuevas generaciones es muy difícil, pero enriquecedor, luego de mucho trabajo, ver los buenos resultados es muy bonito y me hace enamorarme más de mi profesión. Aprendo muchísimo de ellos.

Si tuvieras que definirte como diseñadora ¿qué dirías sobre ti, sobre tu trayectoria?

Para definirme como diseñadora, puedo decir que lo que más me encanta de los proyectos son: la búsqueda de concepto, el darle sentido a las cosas, conectar con la historia de los objetos o acontecimientos ligados a ellos, es algo que disfruto cada vez que doy inicio a un proceso creativo. No sé cómo podría definir ese conjunto de cosas (jaja).

¿Cuál ha sido el proyecto favorito y por qué?

Como dije anteriormente el proyecto Demodé ha sido el favorito. Mi primer hijo. Dentro de eso, el trabajar mobiliario y accesorios, entendiendo sus formatos y su versatilidad me hace sentir muy cómoda al trabajarlo y lo disfruto mucho.

¿Qué se viene?, ¿cuáles son los planes para este año?

Espero que este año funcionen varias cosas, por una parte dedicarle más tiempo a Demodé.  Y por otra, mis planes para este año son actualizarme en nuevas tecnologías de fabricación y pensar en alguna colección de objetos. Y por supuesto retomar mi tienda virtual Tussie Mussie donde disfruto muchísimo buscando y fotografiando objetos para venderlos.

@verasielfeld

Si definieramos en una palabra a la Diseñadora Industrial Vera Sielfeld, sería CREATIVA, sin duda su trabajo destaca por la experimentación y la creación constante, en la búsqueda y encuentro con el diseño. Desde pequeña ha estado vinculada al diseño, donde la imaginación, la experimentación y el trabajo manual, la ha llevado a usar el material en su plenitud e incluso en el encuentro de nuevos usos ¡Simplemente atómica!

¿Cómo nace tu interés por el diseño?

Desde que mi hermana y yo eramos chicas, mi mamá que estudió Diseño Gráfico y es artista, nos confeccionaba ropa muy colorida y cómoda. Siempre hubo una máquina de coser en mi casa, donde me cosía mis propias creaciones como bolsos y prendas varias, así que siempre tuve la curiosidad y necesidad de hacer mi propia ropa. Con la ayuda técnica de mi mamá, la sabiduría estética y de diseño de mi papá (arquitecto) más las herramientas que estaban disponibles en la casa, dejaba volar mi creatividad y le daba vida a las cosas que imaginaba en mi cabeza.

Siempre me gustó hacer cosas “con las manos” y materializar ideas. También tuve mucho interés por la técnicas manuales, las artes plásticas, el tejido, bordado y costura.

¿Qué te gusta del ser diseñadora?

Poder materializar las ideas a través de mis propias manos, en un tiempo acotado.

Nos puedes contar ¿Cómo es tu proceso creativo?

Fundamentalmente me baso en la experimentación material. Las posibilidades que me ofrece el material sacándolo de su contexto y su manera “normal” de uso y procesamiento.

¿Cómo se crea @verasielfeld?

En el año 2009 al salir de la universidad,  comienzo con el diseño de mis creaciones, distintos complementos confeccionados con textiles nuevos y reutilizados. Primero fueron ideados para uso personal, pero luego empecé a comercializarlos a través de ferias de diseño de la época. De esta manera me di cuenta que los productos le gustaban a la gente y tenían éxito. En ese entonces la dueña de una tienda me preguntó si quería dejar mis diseños en su tienda y así despegó mi emprendimiento, gracias a que alguien creyó en mi trabajo y le vió potencial.

¿Cuáles son las mayores satisfacciones y desafíos que haz tenido en tu carrera?

Lo que más me satisface es saber que hay gente que le gustan mis creaciones, tanto como a mi, y poder contribuir en la felicidad diaria de una persona 🙂

Respecto al desafío, es permantente, poder reinventarse siempre y seguir evolucionando los diseños, considerando también que hay que hacer de todo dentro de la empresa unipersonal, ser un pulpo básicamente jajaja.

¿En qué proyecto estás trabajando? 

Actualmente estoy trabajando en el desarrollo de nuevas carteras de cuero armables sin costura.

@kathryngillmore.cl

Cree fielmente que una de las funciones más importantes del diseño es simplificar y facilitar experiencias, y a su vez,  que el usuario se sienta considerado.

¡Como no admirarla!

¿Cómo y cuándo nace tu interés por el diseño?

Inconscientemente desde muy pequeña: mi papá tenía un Mac, y me entretenía dibujando en bitmaps. Mi hermana mayor entró a estudiar diseño cuando yo tenía 6 años, por lo que estuve vinculada al entorno visual a través de ella, porque la acompañaba mucho, incluso a la universidad. Luego ya mayor, me interesó la geometría y la abstracción, Paul Klee fue mi primer referente de pintura y me gustaban las matemáticas. Dudé en estudiar arquitectura pero me di cuenta de que mis aptitudes se vinculaban más con las dos dimensiones y por eso decidí estudiar diseño.

¿Si tuvieras que definirte como diseñadora, que dirías?

Creo que soy diseñadora en todo el espectro de la palabra, para mí el diseño es una forma de vida, desde el  orden del lugar donde uno vive, las costumbres de la vida cotidiana, los objetos que elegimos etc.

Me interesan todas las áreas del diseño, aunque no me dedique específicamente a cada una. Tengo un especial interés por la información compleja, graficar y realizar infografías es una manera de acercar al público a comprender situaciones que pueden ser poco atendidas o difíciles de entender de una forma no visual. Creo que una de las funciones más importantes del diseño es contribuir a simplificar y facilitar experiencias, y a su vez,  que el usuario se sienta considerado, como cuando te pruebas algo de ropa y sientes que estaba hecho para ti. Libros, logos, páginas web, instalaciones, edificios, todo tiene otra percepción cuando hay buen diseño de por medio.

¿Cuáles son los temas que te gusta incluir en tus diseños, en qué te inspiras?

Actualidad, color, geometría, tipografía.

De todos los proyectos en lo que has trabajado, ¿cuáles te han marcado y por qué?

Las exhibiciones en las que he trabajado para la Pinacoteca de Múnich, que luego han viajado por otras ciudades como Nueva York, Basilea y Venecia, por lo que ha sido una experiencia también de reinterpretación de un proyecto. Las publicaciones con trabajo infográfico, el catálogo e imagen para la muestra de Chile en la Bienal de Arquitectura del año 2018.

¿Cuáles son las mayores satisfacciones y desafíos que has tenido en tu carrera?

Diseñar para otros países ayuda abrir el espectro de lo “conocido”, trae vértigo pero un vértigo positivo, genera inevitablemente una gran autoexigencia y adrenalina para trabajar con altos estándares. La docencia también ha sido algo importante, ya que la interacción con nuevas generaciones, el transmitir conocimientos, y tener que estar al día es un excelente input para la vida profesional.

¿En qué proyecto estás trabajando? ¿cuáles son los planes para este año?

Estoy en un momento de replanteamiento de procesos y proyectos en los cuales involucrarme. La pandemia ha hecho grandes modificaciones, la impresión masiva ha disminuido y las personas tienen acceso a la información mucho más a través de los medios digitales, eso ha desencadenado por ejemplo en que esté en trabajando en varios proyectos web.

Por otra parte creo que es importante no olvidar los proyectos personales, ser a veces el propio cliente para de esta manera ejercitar, y entregarle a la vida profesional un valor propio. Ahora también estamos empezando a modificar la última exposición que diseñé para la pinacoteca de Múnich que viaja a otra ciudad de Alemania, y en paralelo con otros proyectos de señalización, que así en frío pueden sonar como proyectos muy rígidos, pero la verdad es que todo lo contrario. Es muy desafiante comenzar proyectos que se desarrollan para lugares nuevos y que tienen necesidades propias.

@celebradesign

@kusanovich.cl

Carolina es la Directora y fundadora de Celebra, es una persona querendona, responsable y muy creativa. Ha ganado más de un reconocimiento por sus diseños, siempre asociados al mundo de la celebración, motivo que le apasiona y da vida a nuestra empresa. Como dice ella “colecciona papel”, le encanta este material con el cual da forma por medio del pliegue a todos sus diseños.

¿Cómo y cuándo nace tu interés por el diseño?

Desde siempre supe que me gustaba dibujar y hacer manualidades, pero decidí estudiar Diseño cuando escuché una charla de la Escuela de Arquitectura y Diseños de la PUCV, que fue a hacer a mi colegio, donde nos regalaron una invitación, que al abrirla descubría el perfil de América y a la vez se armaba un cubo en un extremo, y pensé “quiero dedicarme hacer esto”.

¿Por qué te gusta tanto el papel como material?

Me encanta el papel como material porque tiene innumerables posibilidades de uso, y dependiendo de su composición ese uso varía. Suelo imaginar el papel con forma, donde por medio del pliegue configura diversos diseños.

¿Cómo nace Celebra?

Celebra nace luego de trabajar junto a Ricardo Lang en la Escuela de Arquitectura y Diseños de la PUCV, donde aprendí el diseño de celebración y me enamoré de la idea de “sorprender a otro en una ocasión única”.

Sabemos que haces docencia hace más de diez años ¿qué significa para ti este rol?

La docencia es una parte muy importante en mi carrera, porque me permite estar en contante renovación y aprender con cada estudiante una forma nueva de ver el mundo. Aprendí de mi mamá (profesora) a escuchar y ser empático con el otro, esto es vital cuando quieres enseñar.

¿Trabajas con otras personas en tu proceso creativo?

Sí, he podido trabajar con distintos colegas, lo que siempre es un placer y una posibilidad de aprender.

¿Cuáles son los planes para este 2022?

Quiero que Celebra sea reconocida a nivel nacional e internacional como una alternativa válida en el mundo del desechable ecoamigable. Y en lo personal quiero seguir aprendiendo del mundo del Diseño, que me encanta y apasiona, con nuevos proyectos y alianzas

@muesca.mate

La fotografía, la cerámica, el bordado, el trabajo en cuero, todas son pasiones de la joven y talentosa diseñadora Katherine Quiñones. Esta Diseñadora Industrial no solo es apasionada, también es rigurosa e inteligente lo que le ha permitido experimentar en todo tipo de oficios, actualmente está dedicada a su reciente línea de productos @muesca.mate, produciendo su propia línea de mates.

¿Por qué decidiste ser Diseñadora Industrial?

Mi interés por el diseño surgió desde pequeña en mi constante deseo de materializar mis ideas, me gustaba mucho trabajar con mis manos y cuando fui creciendo conocí la carrera como tal e inmediatamente supe que la cosa iba por ahí, ya una vez en la universidad entendí el real valor del diseño, de su proceso y su aporte en la industria y en la vida de las personas.

¿Qué áreas del diseño te interesan?

Siempre me he inclinado por la manufactura local y los oficios, conocí el mundo del calzado cuando hice mi práctica profesional en “Nalca Zapatos”, desde ahí surgió mi interés por ese mundo, trabajé para una marca local llamada “Sofía” donde estaba involucrada en el diseño y procesos de principio a fin, todo de confección nacional. Me encantó el contacto con los artesanos y proveedores, sobretodo los diálogos que se generan con ellos, sin duda es lo que más me gusta de diseñar y producir.

Mi último trabajo fue para una empresa de calzado de seguridad, si bien seguían siendo zapatos, fue una experiencia muy distinta, porque toda la producción era a una escala muchísimo mayor y además se producía en el extranjero. Aprendí mucho ya que eran requerimientos muy técnicos, por lo que fue enriquecedor aunque extrañé verme involucrada en todo el proceso.

¿Cómo nace @muescamate?

Cuando estaba en la universidad, estuve en un taller que su temática eran los oficios, el encargo fue re diseñar un objeto de nuestra cultura/tradiciones, así fue como surgió mi primer mate.

Mi interés por este objeto en particular se dio porque desde pequeña, vi a mi mamá y tías tomar mate a diario, viajo mucho al campo y lo que se genera en torno al mate siempre me interesó. Y así en este encargo de la universidad, surgió el primer Muesca,  gustó tanto que hice la primera partida para vender. Luego de unos años mientras estaba trabajando en la empresa de calzado seguridad, retomé el proyecto Muesca, extrañaba el contacto con los artesanos, gestionar los procesos, comprar los materiales, tomar fotos, etc. Realicé ajustes en el diseño, busque los mejores artesanos y comencé a producirlos y venderlos, sume varios colores y el interés por ellos se incrementó, formalicé mi emprendimiento y hoy en día los distribuyo en varias tiendas a lo largo del país.

¿Cuáles son las mayores satisfacciones y desafíos que has tenido?

En cuanto a Muesca, el mayor desafío ha sido decidir emprender y formalizar el emprendimiento con todas las responsabilidades que eso implica, porque hay muchos aspectos que uno no maneja, para mi fue muy importante asesorarme con las personas correctas para que todo fluya mejor, así como también dar con los maestros y proveedores correctos que cumplan con la calidad que aspiro, y una de las mayores satisfacciones ha sido el reconocimiento de la gente, cuando valoran y comparten tu trabajo, siempre trato de traspasar esos comentarios a los maestros/artesanos que participan en el proceso de producción de Muesca.

¿Cuáles son los planes para este 2022?

En cuanto a Muesca quiero que siga creciendo, con nuevos colores, nuevos productos y generando alianzas con otras marcas/emprendimientos para ofrecer una experiencia completa. Otra meta importante es dar con un material vegano que pueda usar como alternativa al cuero para tener una versión que se ajuste a las demandas de hoy en día, ya varios clientes me lo han manifestado y espero poder dar pronto con esa alternativa.

Y en lo personal como diseñadora deseo seguir participando en otros proyectos que me permitan aplicar y aprender cosas nuevas, creo que es importante moverse y ocuparse en otras áreas, eso también ayuda a no estancarse.

@ruizdelaparra

Desde pequeña Nicole fue forjando su memoria, admiración y pasión por los oficios. Teniendo el ejemplo de su abuelo que al tener su propio taller, le enseña a valorar el trabajo independiente y también su abuela, con quién aprende el oficio del bordado. Hoy en día Nicole destaca por su trabajo en Ruiz de la Parra,  donde refleja todo lo aprendido en la joyería de autor, realizando piezas únicas  que se caracterizan por formas geométricas, limpias, sencillas y dinámicas.

¿Cómo y cuándo nace tu interés por el diseño de joyas?

Mis deseos de tener un taller nacen desde muy pequeña, tuve a mi abuelo de ejemplo, siempre trabajo independiente en su taller eléctrico, y creo que me traspasó sin querer esa opción de trabajo. Mi primera “joya” me la hizo mi madre, cuando tenía 5 años, de alambre de cobre hecha con un alicate que había en casa de mi abuelo por su trabajo. Además, mi abuela me enseño el arte del bordado siendo recién adolescente.

Todas estas motivaciones estuvieron en mí y fueron creciendo a medida que fui estudiando Diseño Industrial, en segundo de la universidad hice un curso de orfebrería, donde me enamoré del metal, comencé a vender a familiares, amigos, en la universidad y en algunas ferias de diseño independiente, siempre pensando en que era un hobby.

¿Cómo nace @ruizdelaparra?

A inicios del año 2019, dejo mi trabajo estable para dar inicio a mi emprendimiento centrado en lo que hasta ese momento era mi hobby, el diseño de joyería de autor. Decido postular a un proyecto Capital Semilla de Sercotec, para contar con el impulso inicial y en agosto del mismo año me adjudico el proyecto, y nace formalmente Ruiz de la Parra,  prácticamente al mismo tiempo que inicia el estallido social en Chile.

¿Qué técnicas y materiales utilizas?

El producto en sí, destaca por el uso de materiales contrastados y no convencionales en la joyería, tales como el aluminio, lentejuelas, mostacillas, cristales y plástico reciclado, los cuales imprimen un carácter novedoso y reconocible. Esto en conjunto con metales tradicionales como plata, cobre y bronce. Adoptamos una técnica híbrida, entre bordado y orfebrería, que hemos podido desarrollar y aplicar de manera óptima.

¿En qué te inspiras?

Los diseños Ruiz de la Parra se inspiran principalmente en la observación del entorno, la naturaleza, la mitología -en particular la chilena- y la literatura en general.

Cada pieza se caracteriza por formas geométricas, limpias, sencillas y dinámicas. La intención detrás de cada modelo es generar una experiencia visual a través de los colores predominantes y sus texturas, que en conjunto dan origen a las más variadas tramas ricas en diversidad de formas y materiales. La suavidad del metal compone el cuerpo principal de las piezas, destacando su geometría.

¿Cuáles son los principales objetos que creas y a quiénes van dirigidos?

Los elementos principales de mi producción, está formado por aros, anillos, colgantes y collares. Sin embargo, el espectro también considera prendedores, pulseras y tocados de novia. Nuestros clientes al cual aspiramos llegar, son aquellos que actualmente buscan elementos de diseño de autor que sean cómodos, exclusivos y contemporáneos.

¿Cuál es tu experiencia con las novias?

Primero que todo muy gratificante, ya que cada trabajo es personalizado, diferente y hecho con mucha dedicación, donde la atención al cliente suele ser directa y presencial. En caso de clientes de la misma región, nos reunimos y nos cuentan qué es lo que quieren para su boda. Para clientes fuera de la región, hablamos por vía telefónica o videoconferencia, y mantenemos un flujo de trabajo por medio de envío de fotografías o material referencial.

¿Cuáles son las mayores satisfacciones y desafíos que has tenido?

Siento una tremenda satisfacción cada vez que un cliente me indica que mis productos están “hechos con amor”. Es ciertamente una recompensa al proceso completo de producción que parte desde el diseño creativo en mi mente hasta el dar forma a los productos con mis manos.

Un gran desafío fue atreverse a emprender y enfrentar muchos de los aspectos que esto conlleva y en los cuales no me sentía inicialmente capacitada, en particular me refiero a mantener una rutina propia de trabajo, a relacionarme directamente con clientes, exponerse en frente de las redes sociales, etc.

¿Cuáles son los planes para este 2022?

Este año aspiramos a imprimir un sello de sustentabilidad a nuestros productos, por medio del uso de materiales cuya extracción y refinación estén en armonía con el medioambiente y las comunidades. Así también, se contempla explorar mercados internacionales a través de algunas iniciativas para mercados europeos y latinoamericanos.

www.maitegarciagut.com

www.mdccolectivas.com

Maite nos cuenta que recuerda como si fuera ayer el día que tomó un libro que estaba en la biblioteca de su hermana. Era un libro de Magdalena Droste sobre la Bauhaus, una escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte, fundada en 1919 en Alemania que con su fuerza y magia revolucionaria y holística se puso a la vanguardia de una nueva era. Fue tanta su impresión, que leyó sus páginas una y otra vez, pero su interés no quedó sólo allí porque este libro, del cual finalmente obtuvo una copia como regalo de su hermana, la hacía “alucinar” y la llevó con sus quince años a hacer un trabajo para el colegio. Desde ese momento no hubo vuelta atrás, siendo hoy en día una destacada diseñadora y directora de proyectos de espacios expositivos y museográficos.

¿Cuándo comenzó tu interés por el diseño?

Siempre inconscientemente imaginé, inventé, creé o diseñé; todos diseñamos todo el tiempo, cómo nos vestimos, qué cocinamos, qué colores escogemos, etc. Pero cuando encontré el libro sobre la Bauhaus en la biblioteca de mi hermana y mi cuñado, esto marcó un antes y un después en mi camino como diseñadora.

¿Cuáles fueron tus primeros proyectos, los más desafiantes, y qué experiencias te dejaron?

Creo que cada proyecto es desafiante, sobre todo cuando diseñas “algo” que no tiene nombre y quieres explicarle a alguien lo qué estás haciendo. La experiencia de crear está en constante recorrido y eso es lo desafiante, buscar territorios desconocidos de los cuales hacerse parte o directamente apropiarse. En ese sentido, rescato en primer lugar mis proyectos de la última parte de mis estudios en la Escuela de Diseño PUCV. Fueron las primeras experiencias autónomas de trabajar e investigar el mundo de Buckminster Fuller y construir estructuras geodésicas enormes. También fue un hito la primera exposición que ideé, diseñé y produje con fondos concursables internos de la Universidad. En mi sitio web voy registrando los proyectos que he dirigido y en los que he participado, los cuales presento con imágenes y relatos breves sobre la experiencia en general y las personas que los hicieron posibles.

¿Nos puedes contar un poco más sobre tu primera exposición?

La exposición se llevó a cabo en colaboración con muchas personas, principalmente con la Escuela de Biología y el Departamento de Zoología. Eran aves parte del depósito de animales embalsamados que se usan para dar clases, pero que de ahí no salen. Marcelo Araya, mi profesor de título en ese momento, me comentó que vio de reojo esta sala llena de animales en Casa Central de la PUCV y que deberíamos hacer algo con eso. ¡Qué me han dicho! “Liberamos a doce especies de aves de ambiente acuático” y las mantuvimos en vuelo en exposición dentro de cúpulas transparentes en suspensión. Eso abrió la compuerta de lo que vendría en mi vida después.

¿Qué sensaciones y funcionalidad quieres entregar a través de los espacios y diseños que creas?

Creo que la palabra que me acomoda y que quiero entregar es una “experiencia”. En los cargos en que he trabajado he sido “diseñadora de experiencias”, porque la manera en que abordo las problemáticas de trabajo es acorde a un sistema que funcione. Ese sistema se compone de diversos elementos que se diseñan, materiales, inmateriales, efímeros o permanentes, pero que se relacionan complementariamente en función de un objetivo macro; como lo son las exposiciones por ejemplo, donde el mismo visitante cumple un rol en ese sistema.

La creación transdisciplinaria es muy importante para ti. ¿Cómo la aplicas?

Desde la época de la Ilustración y con el boom del desarrollo científico se buscó categorizar, delimitar y dar márgenes en que cada área del conocimiento podía actuar. Hoy en día eso está obsoleto y cada día somos más híbridos. Los científicos empezaron a demostrar que las definiciones existentes, encapsuladas o aisladas de los fenómenos presentes en su entorno o ecosistema no eran tan certeras, al contrario, no se puede entender un fenómeno de la naturaleza aisladamente. Tal como sucede con las ciencias, sucede en el mundo de las ideas y la creación. Hoy la necesidad de “deslimitar” o desbordar las disciplinas es primordial; sin saber todo esto, mi forma de pensar siempre fue amplia (muchas veces me generó problemas ante otros) y lo sigue siendo, por lo que respondiendo a la pregunta, mi manera de desarrollar proyectos y consolidar el trabajo siempre ha sido desbordándome y generando vínculos y cruces con cosas, personas, saberes e historias que se podría decir que “no tienen nada que ver” con lo que en ese momento estoy diseñando.

¿Cómo se puede fortalecer el trabajo transdiciplinario?

Con generosidad y respeto.

Además de desempeñarte como diseñadora, también has realizado una labor docente. ¿Qué quieres compartir con tus estudiantes en cada clase?

La importancia de ser curioso. Es desde ese lugar en que cada creador puede desarrollar cualquier propuesta. Podemos aprender técnicas y utilizarlas perfectamente, pero la curiosidad, el hacerse preguntas y buscar responderlas es el motor creativo en el diseño que es inmensamente importante desarrollar. Ese librepensamiento de cada uno, nos hace mejores observadores a diferencia del adoctrinamiento típicamente presente como modelo de enseñanza.

¿Nos puedes contar sobre el colectivo MDC Colectivas del cual formas parte?

El colectivo para creadoras críticas, MDC Colectivas, lo estamos armando recientemente con la arquitecta Gabriela Mardones y la investigadora y doctora en estudios de la imagen, Javiera Medina. MDC Colectivas es un espacio virtual donde se genera diálogo desde el punto de vista feminista sobre el quehacer creativo, cultural y artístico. Tendrá una agenda, posibilidad de publicar textos y podcasts.

¿Qué otros intereses tienes aparte del diseño?

Desde que puedo recordar y hasta ahora me encanta ver, leer y oír sobre temas como arte, historia, ciencia, feminismo, culturas, música, humor y biografías.

@Objet.o

Cautivada por la traslucidez, brillo, elegancia y delicado uso de color en la porcelana, Alejandra se dedicó por varios años a coleccionar piezas que encontraba en ferias de antigüedades locales y durante sus viajes, hasta que un día tomó una decisión. Se propuso aprender de forma autodidacta el precioso oficio y la mágica técnica de vaciado para la producción de piezas cerámicas.

¿Cómo nace tu marca Objet?

Como diseñadora Industrial siempre quise tener mi propia marca, pero no tenía muy clara la línea que quería seguir (el diseño industrial es muy amplio). Después de trabajar en varios mundos del diseño con la intención de encontrar mi propio sello, entendí que debía volver a mi origen personal y mis pasiones más profundas, para encontrar mi camino. Fue ahí cuando crucé mi profesión con mi amor por las porcelanas antiguas, objetos que se sitúan en el límite del ser utilitario y el objeto de arte, que transmiten y emocionan. Así comienza mi marca, OBJET, nombre que deriva de un juego de letras de mi apellido, algo innato y casi heredado que resume fielmente mi gran amor por los objetos.

¿Qué técnicas utilizas para trabajar la cerámica?

Utilizo mayormente la técnica de vaciado sobre molde de yeso y también trabajo modelando a mano para diseños más complejos y orgánicos que requieren más detalles.

¿En qué consiste la técnica de vaciado de molde de yeso?

Luego de diseñar la pieza, la materializo a través de impresión 3D, obteniendo así el modelo original para la fabricación del molde, que se compone de tantas partes en relación a lo complejo de la forma que se quiere lograr. El molde de yeso completamente seco absorbe el agua de la pasta cerámica, solidificándola progresivamente, creando así, un espesor que en su dimensión depende del tiempo que está en el molde (la magia). Luego se retira el excedente y se deja secar hasta que el molde suelta la pieza, se pulen las líneas de unión, cantos e imperfecciones y se obtiene así la pieza en crudo que luego será bizcocho (primera quema a 980º) y más tarde se esmaltará (segunda quema que puede ser a 1.060º, 1220º o 1300º dependiendo de la pasta que estás utilizando).

Hemos visto que en algunas de tus creaciones combinas la cerámica con otros materiales, ¿Cómo surge esta idea?

Siempre he tenido esa curiosidad, la de llevar los materiales al límite. En la cerámica la experimentación pasa más por el material mismo y las mil posibilidades que puedes encontrar en torno al color, forma, espesor, transparencias, etc. Pero cuando haces conversar la cerámica con un material opuesto, como los hilos por ejemplo, aparecen otras variables que te obligan a salir del hacer cerámico habitual y repensarlo desde el otro material. Traspasar el límite y llevar el objeto a otra dimensión, descontextualizándolo, donde se contraponen los oficios, donde los materiales y texturas se hacen evidentes y el resultado es único y que se escapa de lo conocido.

En tus creaciones el corazón es un tema recurrente. ¿Qué representa para ti?

El primer gran encargo Objet, hace ya 3 años, fue una colaboración junto a la marca de accesorios “Puro Corazón”. Diseñamos una colección de 4 corazones decorativos y fue ahí cuando este símbolo tan popular entró en mi vida. Si bien nunca había sido muy amante de los corazones, con el tiempo entendí que a veces es necesario abandonar un poco por un lado para poder desarrollar esa arista que apasiona con más fuerza. En ese camino de abandono también he evolucionado y llevé mi búsqueda conceptual a un corazón que hoy es la pieza por la cual Objet se reconoce y reúne gran parte de las emociones que busco generar en quien se cruza con mi marca. Para mí, el corazón representa origen y comienzo, además de ser un objeto simbólico que recoge emociones y es lo que uno o el otro quiera que sea desde la potencia y lo que transmite como imagen y objeto.

¿Qué otros temas han sido fuente de tu inspiración?

De chica que tengo una fijación por las porcelanas antiguas, sobre todo tazas, y además con el tiempo me convertí en amante del café, así que esos dos mundos son mi constante inspiración. Las tazas no sólo las considero como objetos utilitarios concretos, material (porcelana), forma, detalles, sino también como objetos que acompañan momentos del día siendo testigos de historias, convirtiéndose así en esa fiel compañía donde el café siempre es mejor, un envase con sentido, que reúne sentimientos y transmite; la taza como objeto de experiencia.

Ahora en cuanto al diseño de mis creaciones ya sea de tazas u otros objetos, mi mayor referente es el diseño japonés, en todas sus dimensiones actuales y pasadas, la búsqueda de la línea constante, simple y elegante.

¿A quiénes van destinados tus diseños?

Nunca he diseñado para un cliente objetivo definido porque siento que sería como encasillarme en algo que no tiene más sentido que el comercial (siempre hay un poco de comercio para sostener la propia búsqueda). Hoy diseño desde el sentir, la pasión y el amor por este precioso material y las enormes ganas de concretizar el sin fin de ideas que viven en mí.

¿Trabajas con otras personas en tu proceso creativo?

Tengo muchas amigas artistas dedicadas a distintos oficios de quienes aprendo mucho todo el tiempo e influyen directamente en mis procesos creativos, pensamientos e ideas, somos una gran comunidad creativa. En este compartir nacen las colaboraciones donde el intercambio de conocimientos es fundamental para el desarrollo del proyecto y producto final. Por ejemplo, “Corazones Bordados” fue una creación que realicé en conjunto con la bordadora Paula Letelier.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Tengo muchas ideas en camino para proyectos en cerámica y serigrafía (oficio que hoy tengo un poco de lado y me encantaría retomar) pero prefiero mantenerlos en secreto para que resulten… jajaja (uno de ellos se inspira el mar).

@la_suerte_di

Cuando Paulina llegó de vuelta a vivir a Concepción el año 2007, se encontró con una ciudad brumosa a la que le faltaba color. Para ella era difícil encontrar vestuario y entonces inventó su marca, asociada al concepto de la “la suerte de encontrar algo entre las tiendas de ropa usada y de segunda mano”. Paulina ve las prendas de vestir como representativas de las culturas porque ellas siempre han acompañado el desarrollo de la humanidad y por eso son objeto de su interés. En sus telas y prendas podemos ver el reflejo de todo su cariño por la costura y reconocimiento al patrimonio natural y cultural de Chile.

¿Cuáles son los temas que te gusta incluir en el diseño de tus productos y estampados textiles, en qué te inspiras?

Me inspiran la naturaleza del sur de Chile,  tal como la flora nativa y fauna endémica: Frutilla Chilena, Chilco, Araucaria, Piñón, Ranita de Darwin, Pudú y también los paisajes como volcanes y caletas. Por otro lado, me gustan los mapas históricos de Concepción, dibujos antiguos de nuestras costas, campanil universitario de Concepción. Veo esto como una forma de visibilizar nuestro entorno, que rara vez está presente en los estampados provenientes de afuera, que muestran flores, paisajes y otros que no son representativos de nuestra identidad.

¿Qué técnicas y materiales utilizas?

Me apasiona el mundo de los patrones, escalas, cortes de tela, cada uno tiene sus propias técnicas. Actualmente, uso telas de colores básicos como azul, negro, gris, etc., con una composición de mayor porcentaje de fibras de algodón como gabardina y mezclilla y forros también de similar composición. Busco telas durables en buena relación precio/calidad, ya que quiero generar un producto accesible. Entre las técnicas que utilizo están el estampado serigráfico de ilustraciones o “patterns” (patrón textil) sobre tela, y técnicas para colocación de broches y tachas;  además, añadiría que son las “prácticas” en los procesos de confección que dan garantía de una terminación durable y reforzada en los puntos críticos de los accesorios de vestir. También reutilizo en los accesorios y en la optimización de las telas, materiales de otras prendas o telas que me regalan personas que ya no las usan.

¿Cuáles son los principales productos que confeccionas con las telas que diseñas y a quiénes van dirigidos?

La Suerte Diseño comenzó con la producción de algunos accesorios impermeables como bananos, bolsos y estuches. Hoy en día tengo múltiples públicos, algunos con perfil de habitante urbano, adultos jóvenes y adultos, mujeres jóvenes y adultas trabajadoras, y otro publico extranjero o que circula desde y hacia afuera visitando familia, por trabajo, o estudios. A ambos les unifica el valor por lo hecho a baja escala, los diseños locales, lo que recuerde Chile, la buena manufactura, lo que a veces se llama “Diseño con Identidad”. Para ellos creo productos utilitarios como los estuches y bananos con los que comenzó La Suerte Diseño y también otros como por ejemplo, bolsas de compra estampadas, individuales de tela y delantales.

¿Qué te motiva a diseñar vestuario para artistas teatrales?

Aprendí vestuario en un curso corto, y luego he realizado sola y en equipo producciones para teatro y vestuario corporativo para distintos fines. Personalmente, me motiva mantener el oficio de la confección a medida, de lo personalizado, y realizarlo además para escenarios y escenografías ya que es otra parte de permanecer sensible a  diferentes experiencias de uso de una prenda. La capacidad del vestuario de comunicar, de insertarse en un relato, siempre veo como positivo y enriquecedor contribuir a materializar, hacer visible una obra teatral, que nace desde un guión.

Aparte del diseño, también enseñas y realizas labores de gestión cultural; ¿nos podrías contar un poco sobre estas actividades?

Considero importante aprender e ir transfiriendo a otras personas lo aprendido, la experiencia  junto con el intercambio de conocimientos que tienen personas provenientes de distintos contextos aporta mucho al desarrollo personal y a la generación de redes. Por eso, hago hace algunos años ya en programas formativos de la Fundación TPH talleres de diseño de productos, montaje de ferias, ideación de marca, etc… para emprendedores, pequeños productores y comerciantes de distintas localidades de la región. Esto ayuda a que cada uno descubra su propio sello y lo pueda mostrar en su negocio.

Además, organizo la feria FIDAR, un espacio en Concepción que lleva 16 versiones y donde junto a una colega y socia, convocamos a marcas y productores penquistas y del Sur de Chile para un evento cultural y de comercialización del diseño. Contaba con 40 a 50 marcas, y un programa de música, danza, pasarela en vivo. Lo realizábamos en la Biblioteca Municipal de Concepción y ahora luego de la pandemia lo estamos actualizando a una pequeña versión presencial.